Entrevista a Máez

Pablo se llama Máez cuando sube al escenario. Desde hace algún tiempo todo el mundo habla de él, y parece que aún se hablará mucho más. Con referencias musicales muy marcadas, pero con un estilo especial al mismo tiempo, lleva desde hace unos meses preparando el que va a ser su primer disco, "We'll Never Make It Home", del que ya ha dejado algún adelanto en forma de EP o en numerosos vídeos acústicos que encontramos en Youtube.

Entrevista a Antonio Saura, director de Alquibla Teatro

“Pásate por el teatro, claro, y hablamos. Vamos a estar toda la tarde”, dice Antonio Saura, director de Alquibla Teatro, al otro lado del teléfono. Desde las cuatro hasta las diez de la noche. Es el ensayo general el día previo al estreno de “Anfitrión”, de Plauto, en la versión realizada por Juan Ramón Barat. Después de 26 años al frente de la compañía, el estreno lo vive con los mismos nervios. “Los nervios son necesarios, es una tensión hermosa. Es ése momento que estamos deseando que llegue”, me cuenta Antonio, cuando ejerce de anfitrión en el Teatro Guerra de Lorca, donde este viernes 14 podremos ver su último montaje.

Me he colado en el ensayo general, me encanta ese momento de estar en la obra sin que todavía sea el momento. ¿Qué vamos a tener en esta adaptación de “Anfitrión”?

El espectador va a encontrar una extraordinaria comedia. Para mí “Anfitrión” es la mejor comedia del teatro greco-latino. Los comediógrafos y el concepto de comedia que tenemos hoy en día lo heredamos directamente de Plauto. Además, la versión que ha hecho Juan Ramón Barat es muy dinámica, muy lúcida. Ha conseguido actualizar los chistes del original y hacer la obra contemporánea, con situaciones delirantes. Ha reforzado la comicidad y la comprensión por parte del espectador. Para él sólo tengo elogios, ha hecho un trabajo que ha facilitado nuestra parte.

ENTREVISTA A Mª ÁNGELES ANGULO, DE ERREQUEERRE DANZA

Avatar* es el último montaje de la compañía de danza contemporánea Errequeerre. Una experiencia en la que danza y nuevas tecnologías bailan juntas, sincronizan sus movimientos en un escenario interactivo, en el que los movimientos (los “avatares”) se convierten en un reflejo digital de lo que somos, en un imagen(“avatar”). En este particular encuentro entre la bailarina y el programador informático, Román Torres pone la tecnología y Mª Ángeles Angulo la expresión corporal. Lo presentan los días 5 y 6 de noviembre en el Centro Párraga (Murcia), aunque el estreno oficial será en el Museo Reina Sofía. Os recomiendo echar un vistazo a su blog y sus vídeos, donde se puede seguir el día a día del proyecto Avatar*.

¿Qué es “Avatar*”?
Es un solo de danza en el que la escenografía es interactiva, de forma que interactúa conmigo. Estoy yo sobre el escenario en el que hay una serie de proyectores de luz que van actuando dependiendo de lo que yo hago en escena en tiempo real.

La otra mitad del trabajo la hace Román Torres, ¿quién es y cómo surge esta colaboraciónn?
Román Torres es la primera vez que colabora con nosotros y es el artífice de estas visuales, que dependen de una programación específica. El proyecto comienza cuando conozco a Román y las instalaciones que hace. Fue hace año y medio, cuando vi “Life Floor”, una pieza en la que el propio visitante era participaba. Cuando vi al público cómo interactuaba, me pareció interesante. Además, Román ya tenía ganas de hacer algo así.

¿Cómo ha sido la adaptación a este nuevo entorno?
Ha sido diferente, sobre todo; complicado a veces. Pero lo cierto es que teníamos muchas ganas y muchas ideas. Tantas, que sacamos mucho material al principio y luego tuvimos que recortar. Era un abanico de posibilidades tan amplio que teníamos que poner coto a eso, tener claro que hay una historia que explicar y que no es una muestra de la aplicación de ese software. Queríamos crear un espectáculo con una escenografía cambiando y mutando.

¿De qué forma se afronta el encontrarse sola en el escenario, observada además por tanta tecnología?
Es el primer solo que hago en mi vida. Estoy en Errequeerre y he estado en otras compañías, pero nunca en esa posición en la que, a parte de crear la composición y la coreografía, también la bailo. No sé si llamarlo complicado, pero ha sido mucho trabajo. Hemos tenido que suplir esa mirada externa que se tiene de un director por grabación de cámara, para verlo y luego repetir, porque las cosas que funcionan o no funcionan no dependen sólo de mí, sino también de esa interacción. Y hay veces en las que saco un material artísticamente hablando y hay que ver si tiene su momento o encaja con el audiovisual.

Entonces, no es un solo…
Todos los que han tenido la oportunidad de verlo hasta el momento dicen que es como un dúo: un dúo entre Román y yo. No es nada estático, sino que se va alterando y mutando, en la que él puede ir modificando el visual que se va cambiando en tiempo real, al igual que lo puedo modificar yo o lo puede modificar la música.

Además, os han elegido para estrenar el nuevo departamento de Artes en Vivo del Museo Reina Sofía, en abril de 2010.
Estamos contentísimos con eso. De momento lo preestrenamos en el Centro Párraga. Su director, Juan Nicolás, siempre nos apoyó en este proyecto y quería el estreno aquí. De todas formas, ya habían creado una red para que los montajes pudieran verse en diferentes partes. Así que, por problemas de calendario de calendario, acordamos preestrenarlo en Murcia y luego hacer el estreno oficial en el Reina Sofía, en un nuevo espacio para el arte escénico, pero con nuevos formatos.

AVATAR* / Noche en blanco / Matadero Madrid from Rtorre on Vimeo.

ENTREVISTA CON JASS

Juan Antonio Sánchez Salas, Proyecto JASS, presenta su tercer disco “Canciones de amor para domingos sin fútbol”. Precisamente ahora que la Liga acaba. Sus canciones vuelven a vestirse arropadas por la producción de Señor Guindilla, y, como siempre, tienen ese toque reconfortante del amigo que te propone una cerveza a la salida del trabajo. Lo presentaba el sábado en la Sala B, y sin duda, para un tipo que no sabe lo que es el descanso, ahora empieza una intensa temporada. Se podría recurrir a frases echas y decir que “el tercer disco es el definitivo”, o que “a la tercera va la vencida”. “A ver si es así –dice JASS-, y sino habrá una cuarta”.

Las personas que te conocen (y las que no te conocen también, porque no lo escondes) saben de tu alergia al fútbol. ¿Tal vez por eso presentas estas “Canciones de amor para domingos sin fútbol” ahora que termina la Liga?
En realidad, ha sido casual. El disco tenía que haber salido hace unos meses. Empecé a grabar con Raúl Frutos, pero él tenía también un proyecto musical que empezaba a florecer y le ha llevado su tiempo. Para no demorar más, me lancé a grabar otro disco, porque no tiene nada que ver con las canciones que estabámos grabando antes.

Podemos decir que surge como un cambio de planes, ¿cómo ha sido entonces la preparación de este tercer disco?
Empezamos a grabar temas al poco de sacar “Amor en prelavado”. De un modo casual, Raúl y yo nos encerramos y empezamos a grabar. Pero se paró, porque yo también estuve trabajando. Estaba en el colegio Pilar Soubrier de Lorca. Allí grabamos un disco con los alumnos, con motivo del 25 aniversario. Lo produjo la gente de Señor Guindilla, y al oír el tema que compuse, eché de menos ese sonido que a mí me viene tan bien. Me entraron ganas de volver a trabajar con ellos. Así lo hicimos, con un equipo muy chulo, y el resultado está ahí, un disco que suena muy bien.

Una de las canciones incluidas es “Un minuto”. Cuéntanos en un minuto que tiene este disco que no tienen los dos anteriores.
Hay una evolución compositiva. No sé si madurez, eso lo dudo. También una dinámica de trabajo diferente. El primer disco fue algo casual y el segundo fue un poco por la necesidad de sacar canciones que no habían entrado en el primero, que a mí me gustaban mucho pero quizá menos pop, con un sonido más casero. Y este respondía a la necesidad de empaquetar una serie de canciones, que incluso fueron naciendo durante el proceso de grabación. Prácticamente la mitad del disco ha nacido al mismo tiempo que se grababa la otra mitad. De hecho algunas aún no han sonado en directo.

Pero entre el segundo disco y el tercer no has parado. Girando de un lado a otro, y ahora con esa iniciativa de 5autores.com.
Es un proyecto muy chulo, de cinco amigos. Nos juntamos un día y decidimos montar una productora para dirigir nosotros mismos nuestro trabajo. Ahí surgió esta fórmula, que ha funcionado muy bien. Estoy disfrutando mucho tocando con esta gente.

Hablas de que de madurez, o de no madurez. Pero sigues manteniendo tus señas de identidad, con ironía, humor, juegos de palabras, toques picantes…
Sí, sí. Digamos que las historias son más de los mismo. Hay una evolución en las letras, en las formas de escribir, incluso a la hora de hacer las melodías, de estructurar los temas. Antes no era muy amante de los estribillos, ahora sí son consciente de la importancia que tienen, y trato de trabajarlos más. En todo eso hay una evolución, y un caminar hacia delante. De momento, la poca gente que ha podido escuchar el disco le ha gustado.

¿Confías que alguno de los temas sea canción del verano? Lo digo por las fechas que llegan.
(Risa) Yo no soy muy veraniego. Pero si pega y eso supone ingresos por derechos de autor, guay, guay.

ENTREVISTA CON LUÍS GARCÍA MONTERO

Luís García Montero (Granada, 1958) se ha marcado un madrugón tremendo para coger un avión y llegar hasta una pequeña ciudad para participar en dos conferencias con jóvenes de bachillerato. Tiene cara de sueño, y mientras se toma un reponedor zumo de naranja natural (y bien fresquito) hablo con él de literatura, de juventud y de madurez.

¿Por qué es importante acercarle la poesía a los jóvenes?

Es importante. Siempre participo con ilusión en este tipo de actos. Yo creo que donde se forman los lectores es precisamente aquí. Las instituciones están acostumbradas a celebrar el Día del Libro, a poner en marcha campañas de fomento de la lectura, pero se olvidan paradójicamente de la educación. Y hablar de literatura e invitar a la lectura a chavales de ESO o bachillerato es una buena manera de pensar en el futuro.

Al igual que otros géneros literarios, ¿la poesía también se está dejando influir por Internet, por las nuevas tecnologías, por el lenguaje de los sms…?

Si lo pensamos bien, siempre ha sido así. Cuando Garcilaso escribía sobre caballos es porque él viajaba por Europa a caballo, o cuando Jorge Manrique hablaba del amor a una dama como del asalto a un castillo, es que él se dedicaba a eso, a tomar castillos, como ir a la oficina. Pues hoy los poetas hacen lo mismo. No hablan de caballos, sino de taxis, y utilizan los medios que la realidad pone a su alcance. Hoy, desde luego, Internet, el móvil o las nuevas formas de comunicación son parte de nuestra vida e invitar a la lectura no significa que los chavales se dediquen a una operación arqueológica, sino demostrarles que los escritores hacen su trabajo para dialogar sobre la vida, y las nuevas tecnologías forman parte de ella.

Hablando de jóvenes y novedades, nos gustaría preguntarle por el panorama contemporáneo. Surgen voces nuevas, estaba pensando en la también andaluza Elena Medel, o en otra ciudad como Córdoba, incluso en movimientos ya girados a la novela como la “Generación Nocilla”. ¿Cuál es la situación actual?

Conozco más el panorama de la poesía, y me parece muy saludable. La fuerza de un género no la dan los clásicos, ni siquiera los clásicos vivos, los consagrados como Caballero Bonald o Francisco Brines. Lo dan los jóvenes. Yo creo que hay una fuerza en la poesía joven muy notable. Hay gente que entre los veintitantos, los treinta años, está publicando libros de mucho interés en el presente. A mí me parece que si se trata de la calidad, la salud de la poesía española que están demostrando los jóvenes, podemos ser optimistas.

El año pasado fue momento de hacer cuentas después de cumplir cincuenta años y lo celebró con la publicación del libro “Vista cansada”. En lo profesional también fue momento de hacer borrón y cuenta nueva. ¿Cómo ve el mundo ahora, después de ese 2008?

Utilizando gafas para ver con claridad, para no encerrarme en la nostalgia, sino para seguir habitando el presente dispuesto a no convertirme en un viejo cascarrabias, que es la consigna que tenemos que tener los cincuentones. Y trabajando con ilusión: ahora en mayo aparece un nuevo libro, una novela basada en la biografía del poeta Ángel González. Estoy interesado en ver cómo me va en este experimento narrativo, mi primera puesta seria en este género.

ENTREVISTA A RUSSIAN RED

Con su guitarra y su primer disco Russian Red (Lourdes Hernández) ha llegado a la música española como un soplo bien fuerte de aire fresco. Podría ser esa chica con la que fuiste a clase en el instituto y a la que nunca terminaste de conocer bien. Pero hablar con ella es hacerlo con una persona que, sin habérselo propuesto, ha demostrado que se puede llegar al público y emocionarlo haciendo las cosas sencillas, sin grandes pretensiones. Susurrando hermosas canciones al oído, sobre todo en directo.

Después de que la industria musical lleve muchísimos años tratando de dar con una fórmula para el éxito, llega una chica con su guitarra y lo revoluciona todo. ¿Cuál es tu secreto?
Supongo que es tan secreto que ni siquiera yo lo sé. Para mí es una incógnita. Estoy muy sorprendida con todo esto y me alegro de que esté pasando.

Éxito rotundo de tu primer disco “I love your glasess”, música para anuncios, para películas, llenazos en los conciertos… ¿Te ha cambiado mucho la vida en este último año?
Desde luego, sí. En lo que viene siendo mi actividad vital ha cambiado todo radicalmente. Me han pasado muchas cosas buenas. Pero, al margen de esto, sigo viviendo en mi ciudad, viendo a mi gente y siendo la misma persona. Sólo que ahora que viajo cuatro días a la semana.

Y en todos esos viajes y conciertos, ¿cómo te ha ido? ¿Qué encuentras en el público que va a verte?
Comenzamos hace un año y desde entonces hasta ahora lo que ha ocurrido ha sido una evolución muy bonita. Porque al principio me daba la sensación de que era más cuestión de suerte que un concierto saliera mejor o peor. Pero ahora ya siempre salimos contentos, sobre todo porque he aprendido mucho encima del escenario: de los músicos, de los técnicos de sonido, de lo que es la estructura del concierto… Funciona muy bien y disfrutamos mucho de cada actuación…

Cantas y compones en inglés, ¿han perdido los músicos españoles el miedo a cantar en inglés como si fuera de broma?
No lo relaciono con el miedo, si no con el impulso básico, con el instinto que tengo a la hora de hacer música. Me sale en inglés porque la música que escucho es en ese idioma y porque es una lengua que me apasiona. De hecho, estudié Traducción.

Te salen en inglés, pero ¿de dónde?.
Salen del subsconciente, de cualquier sentimiento que sea de verdad y que sea motivo para crear una canción.

Y este no parar, ¿te deja tiempo para seguir componiendo?
Sí, porque una de las pocas cosas buenas que tiene una persona tan dispersa como soy yo, es que no necesito una rutina o una serie de circunstancias determinadas para componer, sino que realmente puedo hacerlo en cualquier momento. Puedo estar en la habitación de un hotel, en casa o andando por la calle para que me surja una melodía.

Dicen que tienes cara de no haber roto nunca un plato…
Sí, alguno he roto, por supuesto.

ENTREVISTA CON ROBERTO ÁLAMO, PROTAGONISTA DE "URTAIN"

Lo decían por todas partes, y va a ser cierto: "Urtain" será la obra teatral de la temporada. Escrita por Juan Cavestany y dirigida por Andrés Lima, el retrato que realizan del personaje y de la época es soberbio, no sólo por las complejidades del mismo personaje de José Manuel Ibar "Urtain", sino por el coro que le rodea en todo momento y que lo dirige hacia un callejón sin salida. En la coproducción del Centro Dramático Nacional y Animalario, recorren desde el final al comienzo la historia de Urtain, aquel chicarrón del norte, que salió de su Cestona natal para abrirse camino a base de puñetazos y cojones en la España franquista, que gozó del favor de políticos, periodistas y folclóricas del momento, para acabar en el olvido del que salió apenas unos días antes del comienzo de los Juegos Olímpicos de Barcelona 92: volvieron a hablar de él cuando se suicidó. El encargado de ponerse en la piel de Urtain es Roberto Álamo.

Al igual que otros actores que se han metido en la piel de un boxeador, también has realizado un intenso trabajo físico para prepararte: gimnasio, dietas… ¿Ha sido duro?
Sí, pero me pagan para ello y para hacer mi trabajo lo mejor posible. Era necesario. Ha sido gratificante, porque es un trabajo que haces con sumo placer y va más allá del cansancio físico. En la balanza pesa la gratitud a la obra, a este montaje y a este proyecto.

¿Por qué siempre os resultan tan atractivos los papeles de boxeador a los actores?
Más que los actores, al público, porque si hablamos de deportes en el cine o la literatura, se lleva la palma el boxeo. A lo mejor le persigue esa mitología del perdedor, porque hay muchos boxeadores pero muy pocos consiguen el éxito y la fama, con lo cual hay una gran parte de ellos que se mueven en un mundo de frustración. Además no es un trabajo normal: es un trabajo en el que subes al ring y te juegas la vida. Te lo digo por experiencia, que cuando saltas al ring te juegas la vida. No es un juego. Puedes jugar al tenis, al fútbol, al golf, pero no puedes jugar al boxeo.

La obra gira en torno a esas paradojas que siempre ofrece el boxeo: la historia de un chico que era capaz de ganar por KO todos sus combates, pero que no encaja los golpes de la vida.
Sí, en la obra hay siete actores en el ring, y dan lugar a que el espectador también reciba una paliza emocional. Eso es lo que le pasaba a José Manuel, se jugaba la vida en el ring, a golpes. Pero donde no tenía defensa posible era en la vida. Era un chico sanote, que venía de la aldea, y que no tenía una base afectiva, una formación, una cultura. Y, claro, lo traes a Madrid, le das dinero, fama y mujeres, y no tiene dónde agarrarse cuando se acaba. Todo esto se ve muy bien en la obra, a través de todos los actores que hacen “Urtain”, como en el coro de una tragedia griega, en el que todos son víctimas de una época como el franquismo…

Hablando de éxito, la obra ha sido un éxito en Madrid, ahora giráis por España, ¿la reacción es igual de buena a pesar de esa “paliza emocional”?
Al fin y al cabo, eso es maravilloso, porque vas al teatro a sentir cosas. Lo que sí puedo asegurar a cualquier persona que vaya que, a parte de reirse, porque también hay humor, es prácticamente imposible que salga indiferente del teatro. Saldrán emocionados.

ENTREVISTA A NACHO RUÍZ, GALERÍA T20

Hace díez años pisaron por primera vez ARCO, con una apuesta que aún mantienen por el arte emergente. Este año, en mitad de la crisis y con la baja de algunas galerías importantes, Nacho Ruíz habla de cómo afronta la Galería T20 (Calle Victorino, 27, Murcia) el nuevo ciclo que se abre en la feria de arte contemporáneo más importante de España, que empieza mañana, a la que llegan con Nico Munuera, Javier Gutiérrez y Lloren Ugas como artistas seleccionados para el Premio Brugal ARCO 2009.

Fotografía del colectivo Democracia en la Galería T20.

¿Cómo se presenta ARCO 2009 con eso de la crisis económica?
Sinceramente, creo que la crisis es real, pero también tiene algo de estado mental. En ese sentido, el arte contemporáneo no es sólo una inversión, sino también una pasión de muchísima gente.

Hablando de inversiones, ¿puede convertirse en un valor refugio el arte contemporáneo?
Siempre ha sido un valor refugio en tiempos como éste. Ahora surge un nuevo escenario, en el que las inversiones típicas como la bolsa o la inmobiliaria están en crisis. Pero hay otros valores que han ido creciendo de una forma más racional (con alguna excepción), como es el arte. Es un buen momento par comprar arte: los precios no van a subir y van a producir apariciones espectaculares de obras en el mercado. Y, además, tiene una característica: la inversión en arte se disfruta.

De momento, llegáis a ARCO con tres de vuestros artistas seleccionados para el Premio Brugal ARCO.
Estamos bastantes acostumbrados a esta situación, porque T20 es la galería que ha apostado de forma más clara por el arte más emergente en la última década, y esa ha sido nuestra marca característica. Ahora mismo la galería está en un momento de cambio muy fuerte, cambiando la totalidad de la plantilla y trayendo a artistas del extranjero. Pero, aún así, y que nuestros artistas se han ido consagrando con exposiciones en las galerías más importantes del mundo, siguen siendo jóvenes.

¿Cómo está influyendo en el trabajo de las galerías las nuevas tecnologías y, sobre todo, el fenómeno de las redes sociales o Internet 2.0?
En el caso de los nuevos medios, fuimos la primera galería que expuso vídeo arte en Murcia y el día que se vendió una pieza fue una celebración. Pero ahora está totalmente asumido. En cuanto a las redes sociales, no tenemos que olvidar que una galería de arte es un espacio para el arte, para la cultura, pero también para el mercado. Nosotros hemos participado en ese tipo de cuestiones relacionadas con el net-art. Pero nuestra función no es incidir, y tampoco lo pueden hacer las instituciones: no se puede institucionalizar un arte público, sino que el contacto tiene que ser tangencial.

¿Qué balance podéis hacer de ARCO diez años después de vuestra primera feria?
Ha habido diferentes ciclos, y nosotros hemos vivido dos, el último de ellos con Lourdes Fernández. Ha habido un aumento progresivo de la calidad de la feria: se ha profesionalizado y se ha vuelto más estricta. Yo pienso que el año pasado se alcanzó la edición de más calidad de la feria, y este año creo que cerramos ese ciclo. ¿Qué va ocurrir? ARCO tendrá que hacer una demostración de ingenio para reinventarse. Lourdes Fernández es la persona idónea, pero se afronta una circunstancia compleja por la ausencia de galerías americanas y un mercado complejo. Va a ser un año muy interesante.

¿En qué sentido va la renovación?
Hace tiempo que dejamos de creer en el apelativo joven. Aún así, tenemos la intención de recuperar nuestro trabajado de rastreo, pero lo hemos centrado fuera de España, y tenemos la intención de mirar un poquito más allá. No por ello dejaremos a los artistas españoles. Nos apetece arriesgar ahora que todo el mundo se ha vuelto más conservador.

ENTREVISTA CON CARMEN HERNÁNDEZ, ARQUITECTA

El reto era grande: construir un teatro en Iasi (Rumania) que sustituyera el Teatro Nacional durante sus obras de rehabilitación y que el proyecto estuviera listo en tres meses con un presupuesto que no superara los 250.000 euros. Pero, trabajando desde Austria, la arquitecta Carmen Hernández y su colega rumano Angelo Roventa, que forman el estudio Transcontinental Architecture, lo consiguieron. Y, además ganaron la Bienal de Arquitectura de Bucarest por este proyecto de teatro efímero y respetuoso con el medioambiente.

¿Cómo os adaptasteis a las condiciones y cómo lo planteasteis?

Además del bajo presupuesto y el poco tiempo que teníamos, nosotros mismos nos marcamos dos premisas: sostenibilidad y responsabilidad. Queríamos que el teatro fuera un edificio biológico, reciclable. También buscábamos que energéticamente funcionara bien. Y que no fuera sólo una sala en la que podía haber conciertos o representaciones, sino que cumpliera bien con esa función. Por eso, lo concebimos como una caja de resonancia hecha de madera. Se hizo una cimentación y, sobre esa base, con una capa de aire, construimos una caja de madera. No sólo un cerramiento, sino que todo el conjunto es de paneles de madera para que acústicamente funcionara bien y estuviera bien aislado.

Después de esto, el teatro tendrá una nueva utilidad…

Sí. Además se puede utilizar como sala multifuncional: como teatro, como sala de exposiciones. Hace poco se organizó también una bienal de arte. No estaba previsto hacerlo así, pero el espacio les pareció adecuado. De hecho, lo desmontarán para darle una nueva ubicación.

¿Es un claro ejemplo de que la necesidad agudiza el ingenio?

Vaya que sí. Al principio dijimos “imposible”. Pero siempre hay una solución para todo. Optimizamos bastante el presupuesto y se ha conseguido una calidad relativamente buena.

¿Hay una nueva generación de arquitectos más preocupados por las cuestiones sociales y medioambientales que otros más atentos a proyectos megalómanos y faraónicos?

En ese sentido, nos desmarcamos de esa tendencia. Buscamos que las componentes de sostenibilidad y ecológica estén presentes. Y no sólo en el teatro, sino en otros proyectos también. De hecho, hace poco hicimos un proyecto muy pequeño para una biblioteca particular, y conseguimos hacerlo sin calefacción. Y eran en los Alpes. También nos interesa la componente social de la arquitectura. Nuestro último proyecto propio es una vivienda flexible de bajo coste que solucione los problemas de precio y espacio que existen hoy en día.

Con este proyecto estáis nominados al premio de arquitectura Mies Van de Rohe, uno de los más prestigiosos a nivel europeo. ¿Qué opciones tenéis de conseguirlo?

Es bastante difícil, hay que ser realistas. Nosotros, con el hecho de estar nominados, ya estamos contentos. Pero está bien que proyectos como este sean nominados. Sobre todo porque se le da importancia y voz a esta arquitectura dedicada a proyectos más pequeños y que cada vez están resultando más interesante. A nosotros nos interesa seguir con esta arquitectura experimental.

¿Habéis visto ya alguna obra de teatro en Iasi?
Ja, ja. Todavía no. Nos invitaron, pero queda un poco lejos de Austria.

ENTREVISTA CON EMILIO CALDERÓN, PREMIO LARA 2008

Emilio Calderón se abrió camino en el mundo editorial escribiendo libros juveniles. Sin embargo, los caminos del mundo y de la literatura le llevaron a la novela histórica, bajo cuya etiqueta ha publicado ya "El mapa del creador" y "El secreto de la porcelana". Con "El judío de Shanghai" ha obtenido el Premio Fernando Lara 2008.

Es una novela que transcurre en Shanghai, una historia de amor, una época convulsa como la Segunda Guerra Mundial y el único gueto del mundo que no estuvo bajo el control de los nazis. Estas son las pinceladas básicas para presentar tu última novela "El judío de Shanghai".
Ése es el punto de partida. Es capital toda la historia del gueto de Shanghai en el libro. Yo descubrí que el gueto había sido el único que no había estado en manos de los nazis, que estaba en manos del ejercito de ocupación japonés. Lo que cuento es una historia de amor entre el cónsul de España en Shanghai y una chica judía que está en este gueto y de la que se enamora. Él hará todo lo posible para rescatarla.

Shanghai es el escenario de este último libro. En el anterior, “El secreto de la porcelana”, era Filipinas. Sabemos que has vivido durante un tiempo en Asia, y vemos ahora que de momento está influyendo en tu producción literaria.
Siempre digo que si yo escribo es porque en una ocasión descubrí que en los libros ocurrían cosas que no pasaban en mi vida, en mi barrio… Como lector, me he refugiado siempre en esas novelas que hablaban de paraísos lejanos, lugares exóticos, y cuando decidí convertirme en escritor y hacer novelas para adultos, decidí también desarrollar novelas ambientadas en Extremo Oriente. He vivido allí, he tenido relación con gente de esa área del mundo y siempre he sentido atraído.

No ha sido el Planeta, pero ha sido el Fernando Lara. ¿Cómo te cayó encima este premio? ¿Qué sentiste?
Sentí sorpresa. Pero, luego, como siempre digo, un premio sirve para ganar lectores, más que otra cosa. Sin embargo, al mismo tiempo que uno va percibiendo que su obra tiene una mayor repercusión, también aumenta la responsabilidad. De manera que ahora mismo estoy en una situación casi de miedo por saber si voy a estar a la altura de lo que todo el mundo espera de mí en mi siguiente novela.

En estos tiempos de impactos informativos y publicitarios constantes y de medios de comunicación globales, ¿se está perdiendo el oficio de contador de historias?
En nuestro mundo sí. Afortunadamente nos queda África. En ese sentido, allí la tradición oral, al igual que en algunas partes de Asía, la tradición oral aún se conserva. En eso tiene mucho que ver que el libro es un objeto de lujo. Lo sí es cierto es que cada vez es más difícil contar una historia que atrape, que sea interesante. Es tanta la información que recibimos al cabo del día, que es muy difícil encontrar algo que nos sorprenda. Aunque la profesión de contador de historias sí que corre cierto peligro.

ENTREVISTA CON BLANCA RIESTRA

Esto es un "aquí te pillo, aquí te entrevisto" con la escritora gallega Blanca Riestra (La Coruña, 1970). Su primer libro fue "Anatol y yo", luego otros libros como "El tiempo de las cerezas", "Todo lleva su tiempo" y "El sueño de Borges". Ha sido directora del Instituto Cervantes en Alburquerque (Nuevo México, EE. UU) y ha conseguido premios como el primer premio de relatos de la revista literaria "Eñe". En 2008 presenta su nuevo libro "Madrid Blues", con los atentados del 11-M como trasfondo.

¿De qué hablas en este último libro, “Madrid Blues”?
Es unan novela coral sobre tres días muy próximos en el pasado más inmediato, que serían los tres días previos al atentado del 11 de marzo en Atocha. Lo escribí en Estados Unidos, quería tratar de reunir en un libro lo que para mí era esa ciudad y que desde fuera me daba la impresión de que no existía, de que era una realidad paralela. Es como una madeja de historias que se entremezclan con personajes de diferentes clases sociales y que viven sus pequeñas historias cotidianas, con sus amores, sus problemas económicos, sus amistades, y que viven sin saber que dentro de tres días hay un abismo que va a abrir frente a ellos.

En Estados Unidos has sido directora del Instituto Cervantes en Alburquerque. Allí habrás tenido la oportunidad de ver cómo ha repercutido en la cultura otro atentado importante como el 11-S. Ahí ya tenemos libros como el de Don Delillo “El hombre del salto”. ¿Qué paralelismos y que diferencias hay entre la forma en la que se ha afrontado en España?
La fecha del 11-M para España ha marcado a nuestra generación. Es una marca histórica y vital importante. La diferencia entre cómo se ha tratado el 11-S en Estados Unidos y el 11-M en España es que en nuestro país se ha tratado muy poco. Creo que mi novela es la primera que toca tangencialmente el tema. De hecho, cuando saqué el libro la gente me miraba como si fuera algo muy arriesgado, como si aún no estuviéramos preparados para hablar del tema. Pero, francamente, creo que es un tema que nos pertenece a todos y del que podemos hablar los escritores. Cuanto más doloroso y cercano sea el tema del que se habla más pertinente hablar de él. Si no, todos los escritores estaríamos hablando de las mariposas australianas.

A propósito de la expansión del castellano en Estados Unidos, ¿qué papel pueden tener los medios de comunicación en este idioma para dar a conocer la cultura española?.
En Estados Unidos, en general, el dominio del inglés es total y está fomentado por el Estado. No es tan fácil que los medios de comunicación peleen por la causa del español. Quizá lo que deberíamos intentar es que los medios españoles y los de los países hispanos proyecten una imagen cultural fuerte y fomentar esta extensión de la lengua fuera.

Has sido profesora en Roma, en Estados Unidos y en España. Todo ese bagaje que ahora traéis los escritores españoles de una nueva generación, me da la impresión de que se refleja cada vez más en vuestros libros.
Es muy importante viajar para escribir, y para no escribir también. Está muy bien irte de tu casa, tratar de acostumbrarte a otras culturas y sobrevivir en medios hostiles a veces. No quedarte siempre en el mismo sitio. Yo siempre he ido donde me han dado algo. Siempre he trabajado donde ha surgido. Eso es muy bueno para vivir y escribir.

ENTREVISTA CON ALEXIS DÍAZ-PIMIENTA

"La gente está resentida por las formas de comunicación no verbales"

Alexis Díaz-Pimienta es repentista, pero no sólo eso: escribe poesía, novela, ensayo, y ha sido traducido a multitud de idiomas. Llegó a España desde Cuba, y lo de repentista le viene de familia. Aquí se encontró con viejos amigos de la "Guajira Band" que lo acompañan músicalmente en el espectáculo "Al son de la palabra".

¿Qué es el repentismo?
Lo define la misma palabra, “de repente”. Pero lo que se hace “de repente” es poesía, son versos, se hacen juegos lingüísticos. Es un juego con las palabras a partir de los cánones lingüísticos marcados por la tradición. En mi caso, ese canon me obliga a improvisar décimas. Pero después de muchos años recorriendo el mundo, también cuartetas, quintillas, coplas…

¿Cómo empieza en el mundo del repentismo?
Me inicié muy niño: mi padre era repentista y tengo cinco hermanos que son repentistas. Mis hijos y mis sobrinos lo son. En mi casa improvisa hasta el gato. Es una tradición familiar inserta dentro de una tradición nacional: la décima y la improvisación son dos de los pilares de la tradición popular cubana.

¿A qué suena "Al son de la palabra"?

Suena a música campesina, a música cubana, a música folk, a música sin apellidos… Suena, sobre todo, a raíces profundas, a lo más autóctono de la tradición cubana… La esencia es la música guajira, pero hacemos de todo. Fusionamos con el flamenco, con el jazz, con el son, con la rumba, con la canción de autor, la fotografía, el cine, la pintura o el teatro. Hacemos una mezcla del repentismo y la música guajira con todo aquello que pueda enriquecerla.

Pues ha llegado a una zona de España en la que también persiste aún una tradición de improvisación oral, los trovos, y en un momento en el que a nivel mundial está de moda otra corriente de improvisación más actual, el hip-hop...

La oralidad seguirá presente mientras tengamos voz. Lo que demuestra la vuelta a las manifestaciones orales y el interés tanto académico como del público, es cuán equivocado han estado en años anteriores todos aquellos que empezaron a ponderar las formas de comunicación escriturales por encima de la raíz, de la esencia de la escritura, que es la voz.

¿Y qué es lo que está pasando?
Yo creo que también hay un poco de saturación de tanta escritura, porque se pública mucho, pero también hay mucha pseudo literatura. También hay una saturación de la información de los medios de comunicación tecnológicamente avanzados. La gente está resentida por las formas de comunicación no verbales. Estamos muy idos de la comunicación “vía email”, “vía sms”, “vía satélite”… Falta uno de los componentes básicos de la comunicación, que es tocar al interlocutor: tocar con la mano, con la mirada, con la voz… Eso es lo que recupera la oralidad, un componente que se había perdido.

¡Qué receta más bonita para el siglo XXI!

El siglo XXI es el gran siglo de la oralidad. Estoy convencido.

ENTREVISTA A PAOLA ARIAS, VOCALISTA DE "RASPA"

He visto ya algunos conciertos del ciclo Diversons , y he tenido también la oportunidad de entrevistar a alguno de los grupos de este ciclo, promovido por la Obra Social "La Caixa", que promueve la integración social a través de la música. Inmigrantes de todo el mundo que residen en España y que crean sus grupos musicales: para enseñar la música de sus países de origen, sus tradiciones y, también, su capacidad de mestizaje y fusión con otras músicas y culturas. Desde música brasileña, a percusión de Costa de Marfil, pasando por una fanfarria balcánica hasta llegar a la legendaria Persia.

Paola Arias es la vocalista de uno de esos grupos que participan en la edición de este año, Raspa, un grupo colombiana que recupera un género de los años 70.

¿Qué es la “raspa?
Es un genero musical que nace en los años 70 en Colombia. Mezcla las bases afro-colombianas con la cumbia y los ritmos salseros. Es lo que se denomina raspa: lo bailaban nuestros abuelos, nuestros padres… Y se había quedado en el baúl del recuerdo, pero nos propusimos recuperarlo desde Barcelona, donde estamos radicados actualmente… Aquí se da la coincidencia de que la “raspa” es algo que sobra, y por eso también nos gustó ese nombre. Jugamos con los dos términos.

¿Cuál es la historia del grupo?
Nos conocimos en Barcelona. Yo vine a estudiar música a una escuela de jazz, otros vinieron a hacer alguna carrera y hay quien hacía teatro en grupos de reconocido nivel nacional. Además, tenemos un malagueño también, que se vinculó a la banda no sólo por la música, sino también por la amistad… Nos juntamos en un bar en la Calle Asonadors, cerca de la Calle Comercio. Empezamos a hablar del proyecto, nos echamos pa’lante y así fue la historia. Han pasado 4 años y ahora tenemos la oportunidad de girar por España con Diversons.

Como gran parte de la música colombiana, la “raspa” viene de la mezcla… Pero es que cuando os juntáis en España, la mezcla es todavía mayor…
Claro, esto le da un color aún más mestizo, el mestizaje y la multiculturalidad que se está gestando estos días en toda España. El malagueño le da un toque más andaluz, más festivo, pero también hablamos de temas sociales, como la exclusión. Estamos muy sintonizados con lo que pasa en nuestra ciudad.

¿Funciona como herramienta de integración?
Por supuesto. Todos los espacios artísticos y todo lo que tenga que ver con la participación del público, en diferentes vertientes artísticas, todo eso funciona.

¿Cómo va en lo musical? ¿Os va bien?
Para ser sincera, no vivimos de esto. No por nosotros, sino porque a nivel mundial ahora mismo hay muy pocas personas que viven de esto. Hay una crisis en el medio disquero. Otra realidad es que muchos de nosotros somos inmigrantes y tenemos que ganarnos la vida trabajando en el día a día. La música, para nosotros, es como un medio de creación y relajación. Ojala pudiéramos vivir de la música.

ENTREVISTA CON NICO MUNUERA

Nico Munuera (Lorca, 1974) es uno de los artistas jóvenes españoles con más proyección, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras. Sus cuadros cuelgan en paredes que van desde las del nuevo CaixaFórum hasta las del mismísimo sir Norman Foster. Ahora estrena dos exposiciones paralelas, No Flag y Xuwan, en las galerías Max Estrella y La Caja Negra, en Madrid.

Foto: www.laverdad.es

¿Qué tienen en común y dónde divergen estas dos exposiciones?
Para mí es un momento importante con estas dos exposiciones. En “No Flags” no es que haya un ruptura, pero sí que es novedoso el hecho de que he dejado de lado el trazado horizontal. Ahora son como banderas, para lo que me he basado en banderas como la de Francia, Italia o Bélgica. Antes me limitaba a dos colores, pero en este nuevo trabajo hay más.

¿Y qué vamos a encontrar en “Xuwan”?
Me gustaba la oportunidad de hacer dos exposiciones. Pero La Caja Negra es una galería que trabaja más la obra gráfica y sobre papel. Ahí podemos ver ediciones de grabados que he trabajado con ellos durante estos dos últimos años. Es como una revisión de mi trabajo sobre papel. Estoy muy contento, ni siquiera yo lo había visto junto.

Precisamente hace un año éste fue uno de los soportes que estuviste trabajando en Nueva York, a través de una beca de la Fundación Cristóbal Gabarrón.
Exactamente. De hecho, la serie de dibujos Lexington, la hice en Nueva York. Por eso mismo me gusta, porque recupero trabajos que han ido saliendo en estos dos años.

Y en ese giro también hacia China, ¿qué significa “Xuwan”?
Es una palabra china que representa el estado del artista para conseguir la pincelada perfecta.

Parece que de repente todas las miradas se vuelven hacia Asia: política, economía, deporte… y también los artistas.
En realidad, me interesa más la filosofía antigua de esa zona que el interés capitalista que existe ahora. Mi interés no es actual.

Lo que sí has recibido ya de entrada son buenas críticas en medios nacionales, sin ir más lejos en “El Cultural” de el diario “El Mundo”.

A fin de cuentas, por suerte o por desgracia, la capital tira mucho. Lo que se hace desde aquí siempre tiene más repercusión. Vivimos en un país muy centralizado y es fundamental trabajar en proyectos fuertes. Es un poco triste, porque los trabajos previos de los artistas se hacen en las periferias y en las provincias, y son las galerías de ahí las que tienen que ayudar a levantar la trayectoria de los artistas, así cuando llegan a Madrid ya lo hacen con recorrido.

Foto: Galería Max Estrella

Nico Munuera también colaborará en el último trimestre de 2009 con el proyecto “Asincronías”.